La Battaglia di Anghiari
admin luglio 5th, 2010
Intorno il 1503 la repubblica di Firenze incarica Leonardo di eseguire un affresco nella sede del Maggior Consiglio.L’affresco doveva rappresentare la Battaglia di Anghiari con la vittoria riportata nel 1440 dai fiorentini.Nel 1506 l’artista,oltre al cartone riesce a realizzare anche una parte del dipinto,ma nè l’uno nè l’altro ci sono pervenuti,soltanto copie dell’affresco.Le copie riproducono la parte centrale della scena:essa raffigura una lotta furiosa di cavallieri che si contendono l’asta della bandiera.Leonardo centra la composizione in un spazio ristretto riprendendo gli studi già avvenuti per l’Adorazione dei Magi ed il cartone di Sant’Anna,raccogliendo all’interno di quest’ultimo ricchezza di ritmi dinamici e di forze contrastanti.La complessità dei movimeti dei cavalli e dei soldati intensificano la forza espressiva dellla composizione,che raggiunge una tensione drammatica e una potenza di rappresentazione senza precedenti.
Copia del cartone di Leonardo da Vinci fatta da Rubens
Disegno a matita,ritocco a penna e a guazzo
0,451×0,64 m
Gabinetto delle stampe e dei disegni,Parigi
A conclusione dell’esperienza toscana Raffaello aspirava a nuovi temi quali la narrazione drammatica.Nella pala con il Trasporto di Cristo articola singole figure e gruppi secondo cadenze tipiche del Buonarroti,mentre per l’accentuata espressività dei volti si ispira all’influsso leonardesco.Nonostante ciò,impegnato nella nuova ricerca linguistica,Raffaello non riesce a stabilire un’unità fra il gruppo dei portatori a sinistra e quello delle Marie a destra.Equlibrio e coerenza risultano così compromessi,venendo meno anche la semplicità e la naturalezza proprie delle precedenti opere dell’artista.
Abbandonate le tele a carattere simbolico,Caravaggio si cimente nella pala sacra il Riposo nella fuga in Egitto.Nel dipinto vi è raffigurato un angelo in piedi che suona un violino volgente la testa verso sinistra va scoprendo le spalle alate,San Giusepppe seduto gli regge il libro delle note.Dall’altro lato siede la Madonna con capo piegato sembra dormire con il bambino stretto al grembo.Tali figure sono collocate in un paesaggio realizzato attraverso tonalità di verdi,bruni e gialli dove il sentimento del divino rappresentato riesce a convivere in perfetta armonia con quello reale.La struttura vede lo spazio sviluppato su piani paralleli dove la luce non funge da frealizzatrice di forme,ma come elemento naturale che conferisce chiarezza alla scena.Ciò si nota soprattutto sull’angelo,esaltando il candore del velo,e sui volti personaggi.
Nel dipinto Le tre età della donna Klimt distribuisce lo spazio su un fondo orizzontale semi dorato,mentre le figure sono strette in un angusto spazio decorativo al centro del quadro.L’opera raffigura,in chiave simbolica,le tre fasi della vita femminile: l’infanzia,la maternità e l’inevitabile declino della vecchiaia.Lo scorrere della vita è indicato sia dalle posizioni delle figure,sia dalla decisione di rappresentarle nude.L’anziana viene raffigurata di profilo scuro per evidenziare,attraverso un forte realismo modellato, la deformazione provocata dal tempo sul corpo.Ritratta con un gesto disperato nel coprirsi il volto con le mani ,probabile rifiuto della realtà.La giovane invece viene rappresenta frontalmente. Rispetto all’anziana,il nudo appare piatto e luminoso nella colorazione,allegoria di maternità sacra a cui sembra riferirsi anche la corona di fiori sulla testa.Il drappo trasparente avvolto intorno alle gambe sembra assumere la forma di un serpente,allusione del male sempre in agguato.La bimba invece è ritratta di tre quarti con il corpo paffuto e arrotondato, abbandonata in un sonno profondo.
Nel 1926 Klee soggiornò in Italia rimanendo profondamente colpito dai mosaici di Ravenna.Appasionato da tale tecnica,i suoi dipinti assunsero nuove fattezze costituite da pennellate puntiformi che creano una fitta e omogenea tessitura cromatica.Nell’opera Ad Parnassum Klee rievoca lo splendore dei mosaici bizantini con minuscole pennellate dense di colore,immergendo l’immagine in una luce tracciata da tonalità azzurro-verdi e giallo-arancio,le quali sembrano essere in continuo movimento. Il disegno è formato da linee rette e oblique, che delineano la sagoma di una collina di forma piramidale, affiancata da un sole che sorge. Klee,senza perde contatto con il mondo che lo circonda,raffigura il paesaggio come un semplice ricordo rappresentando ciò che meglio lo aveva impresso.
Tra la fine del 400 e l’inizio del 500 Leonardo presenta alla corte fiorentina,nel chiostro della Santissima Annunziata,il cartone Sant’Anna con la Vergine il Bambino e San Giovannino che influenzerà negli anni successivi le creazioni di Michelangelo e di Raffaello.In questa composizione,ad una prima sintetica visione,appaiono i due corpi di Sant’Anna e della Madonna,seduta sul suo grembo,come corpo unico,con due teste ritmicamente affiancate e ruotate l’una verso l’altra inglobando totalmente il Bambino e,a cui si appoggia sulla destra,San Giovannino.L’imponente presenza del gruppo assorbe totalmente lo sapzio che lo circonda.Infatti il risutato sembra essere un bozzetto per un’opera scultorea,se non intervenissero le sfumature create dalla luce,penombra ed ombra,modellando le figure con la tecnica dello sfumato.IL risultato finale di questa ideazione sarà il dipinto incompiuto di Sant’Anna,la Madonna,il Bambino e l’agnello.
Intorno al 1534 fu conmmissionata a Michelangelo la decorazione della parete di fondo della Cappella Sistina.L’artista ritornava alla cappella dopo oltre vent’anni dall’esecuzione degli affreschi della volta.La rappresentazione del Giudizio Universale segnò un cambiamento radicale rispetto alle tendenze decorative presenti negli affreschi della cappella.Grazie all’eliminazione di ogni elemento architettonico e spaziale,raffigurando molte figure ignude secondo una struttura senza alcuna divisione in scene,Michelangelo annulla la consistenza della parete,proponendola in un cielo privo di profondità animato da una catena di impulsi dinamici.Le figure si dividono in gruppi disarticolati partecipi al movimento vorticoso e rotatorio,che arriva sino al gesto del Cristo posto al centro della rappresentazione.Inoltre l’artista accresce le proprorzioni delle figure secondo andamento ascensionale,sconvolgendo la staticità del dipinto e accentuando la varietà degli atteggiamenti e il dinamismo dei personaggi rappresentandoli in diversi scorci.Michelangelo rinuncia anche alla ricca gamma di colori usata negli affreschi della volta ridocendola a soli due toni,che contribuiscono a dare al dipinto una atmosfera di profonda austerità.
Opera iniziata nell’estate del 1910, raffigura una scena sfocata grazie al contrasto di luce e colore.La composizione è dominata dalla figura di un cavallo che con sforzo traina un carro aiutato da diversi uomini.
Nell’opera Madonna con Bambino e San Giovannino,detta La bella giardiniera,Raffaello abbandona le vecchie composizioni per attingere a un vigore plastico e a una fermezza di volumi ispirati dalle opere di Michelangelo.Ciò che resta dell’ispirazione leonardesca costituisce un mezzzo per approfondire la ricerca di naturalezza e armonia espressiva propria delle composizioni del giovane Raffaello allo sviluppo dello stile rinascimentale maturo.
Il dipinto il Filosofo in meditazione è una dalle prime opere di Rembrandt ad Amsterdam,periodo in cui l’artista produce varie versioni di filosofi e apostoli in atteggiamento meditativo.Lo sfondo è di tono scuro,le figure appaiono dal buio disegnati dalla luce. Anche se la tecnica richiama quella usata dal Caravaggio,in Rembrandt l’oscurità non è drammaticità,ma tuttavia assume il valore di un rifugio che permette alla luce di portare il suo calore.La luce che illumina la scena entra da una finestra sulla sinistra,illuminando la scala a chiocciola,che insieme alla curva creata da quest’ultima forma un motivo ad «s»,al centro vi è il filosofo in meditazione, mentre una donna viene appena rischiarata dal fuoco di un camino posto sulla destra in basso.