Martirio di San Matteo
admin luglio 21st, 2010
Nel corso dell’esecuzione del Martirio di San Matteo Caravaggio sperimentò numerose varianti compositive.Abbandonate le prime versionil’artista adottò soluzioni nuove e anticonvenzionali che meglio rispondevano alla scena drammatica e movimentata.Le figure si intersecano,le forme sono rivelate da suggestive spirali luminose che creano squarci nel buio e che suscitano un moto centrifugo.L’alternanza luce-tenebre crea volumi e lo spazio esalta simbolicamente le parti più drammatiche,i gesti di fuga e latensione dei corpi.
Olio su tela
323X 343 cm
Cappella Contarelli,Roma
In Madonna del libro Maria tiene affettuasamente in grembo il figlio mentre sfoglia le pagine di un libro all’interno di una stanza su cui si apre una finestra che rivela uno scorcio di paesaggio.In parte è leggibile il contenuto del libro ,sembrerebbe trattarsi di un libro per la preghiera quotidiana.Il libro e gli altri oggetti conferiscono al dipinto un tono di una veduta familiare.Numerosi gli elementi simbolici che arricchiscono l’opera di significati religiosi, dalla stella ricamata sulla veste di Maria,ai tre chiodi della crocifissione e alla corona di spine stilizzata nelle mani dl Bambino.Anche la ciotola in maiolica colma di frutta è una allegoria alla religione: simboleggiano il preludio della Passione , la dolcezza dell’affetto tra madre e figlio e la Resurrezione. 
Il personaggio principale, dipinto in gradazioni di blu, domina la scena da un elevato punto di vista, ovvero dal balcone. Sulla strada i lavoratori vengono raffigurati nell’atto di costruire qualcosa in strada,formando il centro dell’opera.La scena è dipinta con colori intensi che vanno dal giallo al marrone.Lo scenario è delimitato da file di case che sembrano crollare e dirigersi verso il centro dell’immagine, partendo dal colore viola , passando all’ azzurro chiaro ed infine tornare al giallo del centro.Scalpitanti cavalli rossi, prorompono al di qua del balcone attraverso la ringhiera da cui si affaccia la madre, che il pittore ritrae di spalle.
Il tema presente in Uomo alla finestra, è certamente un steriotipo tipico dell’artista.Il ricco borghese ripreso di spalle butta l’occhio sulla strada e la piazza. La veduta realistica è molto simile a quella che si otterrebbe con la macchina fotografica, poichè l’opera presenta la stessa associazione di concretezza, specificità del punto di vista e distacco emotivo. Caillebotte desiste dal fissare l’attenzione su problemi umani che possano trasparire dall’ambiente circostante ed evita il contrasto drammatico tra esterno ed interno dell’abitazione.L’atteggiamento del giovane uomo è distante emotivamente da quanto accade all’esterno, lontano da ogni coinvolgimento, forse distratto.
Tornato in Spagna nel 1934 Picasso affronta un’altra grande tematica linguistica e ideologica posta in Guernica che caratterizza uno dei momenti più significativi nella vita dell’artista.Opera dalle grandi dimensioni dipinta nel 1937 in seguito al bombardamento dell’omonima città da parte dei franchisti durante la guerra cinìvile spagnola.Una serie di studi e schizzi precede la nascita del dipinto fino alla scelta di rinunciare al colore,affidando al bianco e nero il senso della tragedia e d’angoscia dell’accaduto.Lo spirito di denuncia dell’artista prende forma atttraverso la forte composizione in cui si sviluppa il tema del massacro degli innocenti strutturato con semplicità.La crudeltà delle figure si congiunge a quella degli animali:a sinistra una donna piange col bambino riverso sotto lo sguardo di un toro,sotto una lampada un cavallo nitrisce spaventato,dall’altro lato un guerriero giace morto con la testa reclinata.
Nel 1894 Gustav Klimt ottienne l’incarico di realizzare alcuni pannelli decorativi per l’Aula Magna dell’Università di Vienna,per rappresentare la filosofia,la medicina e la giurisprudenza.In Medicine(Hygieia) si possono osservare gruppi di figure:donne nude incinte,bambini, vecchi, e scheletri,analogia dello scorrere della vita: nascita, crescita, generazione, morte.In primo piano vi è Igea, dea della salute. Raffigurata come una sorta di maga che volge le spalle all’umanità, impotente nei confronti del destino,simil analogia della scienza medica conosciuta in quel periodo.
Ispirato da puntura procuratagli da un’ape mentre dormiva, Dalì cerca di rappresentare le molte visioni create dal dolore che la puntura gli ha generato. Nell’opera “Sogno causato dal volo di un’ape attorno a una melagrana un attimo prima del risveglio” rappresenta la sua compagna Gala mentre riposa su di uno scoglio fluttuante.Una fucile appuntito,probabile rappresentazione del pungiglione,sta per trafiggere il braccio della donna raffigurando l’attimo in cui avviene la puntura.Sullo sfondo a sinistra due tigri feroci balzano fuori dalla bocca di un gigantesco pesce rosso, che a sua volta esce da una melagrana,simbologia delle visioni provocate dal dolore.Plausibilmente le due tigri raffigurerebbero l’addome dell’ape , mentre il pesce con le sue squame ritrae la struttura dell’occhio dell’insetto.Un elefante sullo sfondo a destra con lunghe zampe da insetto,allusione alle zampe dell’ape, sorregge un obelisco e nonostante il peso non scalfisce per nulla la superficie dell’acqua.
Intorno al 1890 l’artista partì per stabilirsi a Auvers-sur-Oise,dove conobbe un medico amico del fratello, il dottor Gachet che si sarebbe preso cura di lui.Frequentando spesso la sua casa, ritrasse due volte la figlia Marguerite Marguerite.Ispirandosi ai colori di Monet e Renoir,nell’opera “Marguerite Gachet nel giardino” Gachet nel giardino” la giovane figlia del dottore viene ritratta nel giardino di casa in una soleggiata giornata di giugno.
Intorno il 1503 la repubblica di Firenze incarica Leonardo di eseguire un affresco nella sede del Maggior Consiglio.L’affresco doveva rappresentare la Battaglia di Anghiari con la vittoria riportata nel 1440 dai fiorentini.Nel 1506 l’artista,oltre al cartone riesce a realizzare anche una parte del dipinto,ma nè l’uno nè l’altro ci sono pervenuti,soltanto copie dell’affresco.Le copie riproducono la parte centrale della scena:essa raffigura una lotta furiosa di cavallieri che si contendono l’asta della bandiera.Leonardo centra la composizione in un spazio ristretto riprendendo gli studi già avvenuti per l’Adorazione dei Magi ed il cartone di Sant’Anna,raccogliendo all’interno di quest’ultimo ricchezza di ritmi dinamici e di forze contrastanti.La complessità dei movimeti dei cavalli e dei soldati intensificano la forza espressiva dellla composizione,che raggiunge una tensione drammatica e una potenza di rappresentazione senza precedenti.
A conclusione dell’esperienza toscana Raffaello aspirava a nuovi temi quali la narrazione drammatica.Nella pala con il Trasporto di Cristo articola singole figure e gruppi secondo cadenze tipiche del Buonarroti,mentre per l’accentuata espressività dei volti si ispira all’influsso leonardesco.Nonostante ciò,impegnato nella nuova ricerca linguistica,Raffaello non riesce a stabilire un’unità fra il gruppo dei portatori a sinistra e quello delle Marie a destra.Equlibrio e coerenza risultano così compromessi,venendo meno anche la semplicità e la naturalezza proprie delle precedenti opere dell’artista.